Nina Chanel Abney

Par Charlotte Jansen

« La première peinture que j’ai vue et qui m’a marquée était ‘Un dimanche à La Grande Jatte’ de Georges Seurat », se souvient Nina Chanel Abney. « Je l’ai vue enfant lors d’une sortie scolaire à l’Art Institute of Chicago. Je me rappelle avoir été complètement émerveillée par l’échelle et captivée par toute la scène. Enfant, la peinture semblait couvrir tout le mur. » Dans le tableau de Seurat, daté de 1884, une foule de Parisiens élégamment vêtus s’amuse avec des parasols et des animaux dans un parc surplombant la Seine. En mai 1976, cette peinture a bizarrement orné la couverture de Playboy, avec l’ajout de la Playmate Nancy Cameron. (Elle a aussi fait une apparition dans Les Simpson et sous forme de topiaire.)

Les nombreuses versions de « Un dimanche à La Grande Jatte » témoignent de son attrait universel, et trouver cette puissance est au cœur de la pratique artistique d’Abney. Bien que sa propre vie soit très éloignée des personnes peintes par Seurat en France au XIXe siècle (elle est née à Chicago en 1982), le sentiment de curiosité et d’émerveillement qu’elle a ressenti enfant en regardant ce tableau est ce qu’Abney recrée aujourd’hui dans ses œuvres et fresques grand format. Remplies de références — allant de figures politiques et policiers à des photos Instagram, des fils Twitter, des membres de sa famille et la culture des célébrités — chacune de ses compositions est le résultat d’une mise en scène soigneusement construite. Elle peut placer Condoleezza Rice, Lil Wayne et son ami Randall dans la même peinture. « Mon travail est une collision de toutes les informations et rencontres aléatoires que je capte en créant l’œuvre », explique Abney.

Prenons par exemple sa fresque de Coney Island (2016), peinte à l’aide de pochoirs découpés à la main par Abney, une technique qu’elle utilise souvent sur ses toiles appliquées sur un mur. Si sa méthode s’inspire de Matisse et Romare Bearden, ses références sont contemporaines : des symboles anguleux, semblables à des emojis — cœurs, croix et sirènes — s’entrelacent dans une symphonie de couleurs intenses. La fresque marque une évolution vers un langage plus abstrait que dans les œuvres précédentes d’Abney, sans pour autant abandonner complètement le monde.

À la Biennale de Gwangju en Corée du Sud deux ans plus tard, ses couleurs éclatantes ont été exposées sur le côté d’un bâtiment. Le texte « STOP » s’étale au centre. « NE TUEZ PAS. » « Quand je parle de l’idée de simplifier le travail pour créer plus d’accessibilité et de lisibilité, parfois le texte est utilisé pour simplifier une émotion ou un sentiment que je veux susciter chez le spectateur », dit-elle. L’image fait référence à la violence militaire et policière, en particulier contre les Afro-Américains, dans son style plat et collage pop, un mélange troublant de simplicité brute et de satire cinglante.

C’est cette combinaison de retenue et d’agitation qui donne à l’œuvre d’Abney son tempo unique et son rythme rapide, semblable au défilement sur un téléphone portable ou au clic à travers des vidéos YouTube sans fin, bombardés de fenêtres pop-up. « Je pense que l’énergie vient du rythme frénétique créé lorsque je combine la multitude de choses que je peux rencontrer en une journée. » Ses palettes vives renforcent cette énergie, mais contrairement aux médias rapides auxquels nous sommes habitués, où les images sont rapidement consommées et exploitées, chaque peinture nous fait arrêter, regarder et ralentir. Paradoxalement à ce qui entre dans le travail, Abney nous fait voir la vie contemporaine lentement, morceau par morceau.

En grandissant, Abney observait sa mère et quelques-uns de ses cousins peindre. « Cela a définitivement influencé mon désir de devenir artiste enfant, et le soutien de ma famille m’a permis de continuer. » Aujourd’hui, sa motivation vient de son for intérieur. « Je suis artiste maintenant parce que, tout simplement, j’aime peindre. J’ai besoin de créer — c’est une part essentielle de moi. C’est la plus grande motivation, mais je suis aussi très inspirée par les opportunités d’utiliser mon art pour susciter le dialogue. Mon souhait est que la discussion autour de mon travail (et de son sujet) puisse mener à quelque chose de positif dans le monde. »

Ses expositions dans des musées et galeries, comme la récente Royal Flush, qui a tourné aux États-Unis (notamment à l’Institute of Contemporary Art et au California African American Museum à Los Angeles), ont affiné sa pratique. Elle mentionne Seized the Imagination, une exposition solo en 2017 à la Jack Shainman Gallery, comme un moment clé : « J’ai senti qu’avec ce corpus, toutes mes idées et techniques précédentes se sont fusionnées avec succès en un langage universel clair que je pouvais développer à l’infini. Avec ce corpus, j’ai eu l’impression de pouvoir clairement entendre ma voix. »

C’est dans ces environnements qu’Abney crée un dialogue plus intime avec ses spectateurs. Lors de sa magnifique exposition au Palais de Tokyo, Paris, en 2018, Hot to Trot. Not, elle nous a confrontés à des nus déconstruits d’hommes et de femmes. Ce ne sont pas des nus sexy qui marchandisent les corps humains, mais des figures maladroites avec des appendices qui semblent collés, peintes en fresques sur l’architecture de l’un des principaux instituts d’art d’Europe. Abney se moque avec malice du regard masculin dans l’histoire de l’art et de son objectification des nus, en particulier des nus féminins blancs. L’ironie sous-tend tout ce qu’Abney fait — parfois subtile, parfois brutale.

Depuis cette exposition de 2017 à New York — où Abney vit — elle continue de créer prolifiquement, passant du temps en studio et s’orientant davantage vers un langage universel, qui dépasse les frontières de la race, du genre, de la sexualité, de la classe, de l’histoire et de la religion tout en restant suffisamment captivant et pop pour parler à tous. Elle cite Henry Taylor, Faith Ringgold et Kerry James Marshall, ainsi que le moderniste tardif Stuart Davis et Robert Colescott, connu pour ses récits animés et dynamiques de la vie afro-américaine, comme influences. Chacun de ces grands artistes a abordé quelque chose de fondamental sur leur époque et leur expérience individuelle. Abney, elle aussi, puise dans des aspects de notre psyché collective, à travers son expérience vécue en tant que femme de 36 ans en Amérique aujourd’hui, dans une société de plus en plus divisée et perplexe. C’est dans l’espace public (où, en tant qu’artiste, comme elle l’a dit au New York Times en 2018, « il n’y a pas beaucoup de femmes de couleur ») que son travail déploie toute sa force. Hors des sphères culturelles, en dehors des murs des galeries de renom et des institutions prestigieuses, les barrières perçues sont éliminées et « plus de gens peuvent voir le travail — délibérément ou par hasard en marchant dans la rue. Plus de gens se sentent invités à interagir avec lui, plus de gens se sentent bienvenus pour s’y engager. »

« Il s’agit de créer de l’accessibilité — et de créer un espace inclusif pour les individus qui ne se sentent pas forcément accueillis dans un cube blanc, ou qui supposent qu’ils ne pourraient pas se reconnaître dans une œuvre en galerie », ajoute-t-elle. Abney partage avec tout artiste qui intervient dans l’espace public, qui s’engage avec l’art comme réponse à la sociopolitique, l’intention de s’éloigner de « toute limite auto-imposée sur ce que l’art peut être, lui permettant de naviguer librement entre le cube blanc et l’espace public et entre, faute de meilleurs termes, ‘l’art noble’ et ‘l’art populaire’. Que mon travail existe sur une plateforme accessible et polyvalente est d’une importance capitale pour moi et quelque chose que je cherche constamment à atteindre. »

Un jour, un enfant comme Nina se tiendra émerveillé devant une de ses immenses peintures, tout comme elle se tenait devant celle de Seurat. Mais au lieu des parasols et des pique-niqueurs, il y aura Lil Wayne et son ami Randall.