Des Vandales aux Avant-gardes, cette exposition montre l'évolution des artistes du graffiti
PAR BARRY SAMAHA ET CHLOE KANTOR
Article initialement publié le 21 juin 2019 sur SURFACE
L’art du graffiti a mûri. Cette évolution qui a duré des décennies, passant du vandalisme à une forme d’art respectée, est racontée dans la nouvelle exposition monumentale « Beyond the Streets », qui présente plus de 1 000 œuvres de 150 artistes réparties sur deux vastes étages au 25 Kent à Williamsburg, Brooklyn. C’est la continuité de « Art in the Streets », une rétrospective majeure qui s’est tenue au Museum of Contemporary Art de Los Angeles en 2011. L’initiative de Roger Gastman, anthropologue urbain et historien du graffiti, cette exposition visualise de manière exhaustive l’arc narratif des artistes de rue autrefois considérés comme marginaux.
« Les artistes sont passés de la rue aux ateliers », déclare Gastman lors de l’ouverture de l’exposition. « La culture existe depuis plus de 50 ans, donc les personnes qui la pratiquaient dans les années 70, 80, 90 et au début des années 2000 sont aujourd’hui des personnes influentes, travaillant dans des magazines, d’autres médias et différents musées. Ils peuvent profiter de ce avec quoi ils ont grandi et dont ils parlaient. La garde a changé. »
Aujourd’hui, le graffiti est mis en lumière, se vendant à plus de sept chiffres. Il y a plusieurs décennies, cependant, des artistes comme Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Lady Pink, Mike 171 et d’autres travaillaient en marge, surtout à New York. Avec les lois anti-graffiti de la ville en vigueur, la pratique d’utiliser les infrastructures publiques comme toiles — des wagons de métro aux façades d’immeubles — était (et est toujours) considérée comme une activité illicite, donnant aux jeunes qui utilisaient la bombe de peinture comme moyen d’expression la réputation d’être les bas-fonds de la société. Pourtant, ils ne se sont pas laissés décourager. Rejetant le statu quo, ils ont adopté le graffiti comme moyen de laisser leur empreinte dans la société — au sens propre.
« Nous savions que nous créions une nouvelle culture. » déclare Mike 171. « Il faut comprendre qu’en 68, il y avait la guerre du Vietnam ; Nixon était président ; Martin Luther King Jr. et Robert Kennedy ont été assassinés ; et mon père est mort cette année-là. J’ai eu 12 ans, et je suis allé dans la rue, dans le métro, les tunnels, avec Steve [Kesoglides]. Nous étions les seuls blancs du quartier. Nous pouvions nous exprimer avec des couleurs et des lignes ondulées. »
En fait, beaucoup disent que ce sont les lignes ondulées de Kesoglides qui ont inspiré feu Keith Haring, devenu aujourd’hui l’un des artistes les plus commercialisés, ses figures apparaissant sur tout, des bouteilles d’eau aux podiums de la Fashion Week de Paris. C’est cette entrée sur le marché de masse qui est au cœur de l’exposition, avec une grande partie de l’attention portée à la place du graffiti dans l’air du temps.
« Les œuvres de cette exposition ne sont pas prises dans la rue », explique Gastman. « Il s’agit des artistes qui sont passés de la rue à l’atelier. Ils ont de véritables pratiques en atelier ; une vraie représentation en galerie ; de vraies expositions en musée. »
Des légendes comme Kesoglides (alias SJK 171) et Eric Haze, aux talents contemporains tels que Kenny Scharf et les Guerrilla Girls, « Beyond the Streets » est vaste, inclusif, et une représentation vivante de l’ascension du graffiti dans la culture dominante.
Voici 10 points forts de l’exposition.
Kenny ScharfBien qu’il ait fréquenté une école d’art, Kenny Scharf s’est tourné vers la rue avec un style animé distinctif. Il va aussi au-delà du graffiti, expérimentant la sculpture pour créer des versions 3D de ses personnages aux yeux écarquillés et exagérés — réalisés avec une finition brillante et des teintes vibrantes. La transition de Scharf de la bombe à l’argile illustre parfaitement le chemin parcouru par les artistes de rue.
Shepard FaireyShepard Fairey relève davantage de l’art d’affiche. Cela dit, sa manière d’aplatir et de styliser les figures, en les rendant dans des couleurs saturées choisies, est basée sur le graffiti traditionnel. Il produit aussi des œuvres qui commentent les injustices sociales et politiques, les affichant dans des lieux publics pour que tous les voient. Tout cela est mis en avant dans « Facing The Giant: 3 Decades of Dissent », une sous-exposition de « Beyond the Streets » qui célèbre le 30e anniversaire de la campagne de street art populaire de Fairey, « Andre the Giant Has a Posse ».
Haruki Murakami et ses amisL’art de rue n’est pas exclusif à la culture américaine ; les artistes japonais ont adopté cette pratique à leur manière, lui donnant un nouveau sens en peignant sur des toiles plutôt que sur des murs. Cet espace, présentant des œuvres de Murakami et de ses pairs, contient une série de fresques incroyablement détaillées et hypnotisantes.
CES Enfant des années 1980, Robert Provenzano (alias CES et WISH) a été profondément influencé par les pionniers du graffiti, notamment par leur manière de créer des personnages graphiques et des lettrages aérodynamiques. Ses œuvres présentées dans l’exposition transportent figurativement les spectateurs à une époque où New York était à la fois sordide et vibrante — un état symbolisé par le système de métro couvert de graffiti.
Lady AikoQuartier chaud occidental rencontre shunga japonais dans l’installation immersive de Lady Aiko composée de découpes en bois et de peinture en bombe qui explore les thèmes du travail du sexe, de l’érotisme et de l’autonomisation féminine. Avec une formation en design graphique et en cinéma, l’artiste basée à Tokyo a créé un style distinctif qui combine graffiti, publicité, Pop Art et esthétique japonaise traditionnelle.
Ayant autrefois créé des pochettes d’album pour les Beastie Boys et LL Cool J, Haze prête désormais ses talents à des marques telles que Nike et Kiehl’s. Sa présentation ici montre comment son travail a évolué vers des formes d’art plus traditionnelles, présentant des peintures dans le style de Braque en nuances de gris.
Critiquant le monde de l’art depuis 1985, les Guerrilla Girls utilisent des affiches plutôt que de la peinture en bombe pour défendre le féminisme et la lutte contre la discrimination. Elles restent anonymes, permettant aux spectateurs d’absorber leurs messages sans l’interférence de leur identité.
Évoquant les silhouettes puissantes d’Aaron Douglas, les toiles de Cleon Peterson sont couvertes de figures militaristes et aplaties, rendues avec une palette de couleurs saisissante composée de rouge, noir et blanc. Sa relation avec le graffiti ne passe pas par ses méthodes ou son médium, mais son sujet est extrêmement pertinent, ses peintures et sculptures dépeignant des thèmes de violence extrême qui saisissent la société contemporaine.
Le couple cite le graffiti, ainsi que l’animation et l’illustration du milieu du siècle, comme influences majeures dans leur travail. Les spectateurs sont transportés dans un univers fantastique, où des toiles frappantes sont entourées de trois surfaces couvertes de fleurs arc-en-ciel. C’est une célébration de la théorie des couleurs et de la perspective.
La fin des années 1960 a été difficile pour ces amis d’enfance : c’était une période de tensions politiques et de pertes personnelles. Pour évacuer leur frustration, ils ont saisi des bombes de peinture et ont commencé à taguer leurs marques à travers New York. Des décennies plus tard, ces pionniers se sont transformés, exposant des œuvres qui ont véritablement dépassé les rues.
Photos fournies par Dan Bradica/Beyond the Streets.
