DOZE GREEN : S’écouler vers l’inconnu
Se fondre dans l’inconnu
Écrit par Ray Mock
Les artistes issus du graffiti suivent rarement une trajectoire rectiligne, des rues et des dépôts ferroviaires jusqu’à la galerie. Mais même selon ces critères, le parcours de Doze Green a été particulièrement sinueux et jalonné d’une multitude d’influences prévisibles et imprévisibles. Pourtant, il s’est toujours retrouvé au cœur de moments importants de l’histoire du hip-hop et de l’art urbain. Doze Green a-t-il simplement trébuché jusqu’à la célébrité, ou possède-t-il une capacité unique à sentir et à saisir les moments importants de la culture des jeunes ? Après avoir entendu son histoire, on soupçonne que la seconde hypothèse est plus proche de la vérité.
Sous le nom de DOZE TC5, il peignait les métros new-yorkais et a appris directement le graffiti et la vie elle-même auprès de RAMMELLZEE et de Dondi White, les « dieux du graffiti », comme il les appelle. Il était membre du célèbre crew de breakdance Rock Steady Crew. Il fréquentait Warhol et Basquiat. En tant que membre du RHYME SYNDICATE, aux côtés d’Ice-T, il a contribué à définir l’identité visuelle du hip-hop et des styles de rue à Los Angeles, avant de se retrouver à San Francisco au moment où les artistes de la Mission School prenaient leur essor. Il a rejoint le collectif FUTURE PRIMITIVE alors que la culture DJ connaissait un renouveau à San Francisco, puis a vu sa carrière d’artiste plasticien, sous le nom de Doze Green, décoller avec une série d’expositions personnelles affichant complet durant la seconde moitié des années 1990.
De retour à New York autour du tournant du millénaire, il a travaillé comme directeur artistique pour Ecko Unlimited et est devenu un membre éminent du collectif artistique BARNSTORMERS. Il était un artiste de rue avant que le terme ne soit largement employé, et il a exposé dans le monde entier tout en affinant constamment son langage visuel depuis.
Aujourd’hui, Green est particulièrement connu pour ses représentations abstraites de la forme humaine ; des lignes et des formes enchevêtrées se rejoignent en portraits austères qui évoquent l’art tribal et canalisent ses multiples influences. Il faudrait un livre entier pour démêler les nombreuses sources de pensée et de vision créatives qui ont façonné l’œuvre de Green, mais même l’examen de ses influences les plus tangibles offre des perspectives éclairantes.
En tant qu’auteur de graffiti dans les métros new-yorkais à la fin des années 1970 et au début des années 1980, Green avait déjà un penchant pour le symbolisme, qui se manifestait notamment dans les étoiles à cinq et huit branches représentant différentes générations de son crew, les CRAZY 5. Il a été intronisé dans le crew par SEEN et en est devenu vice-président peu après. « Dans les années 1980, j’étais connu pour mes personnages et mes lettres », se souvient Green. Mais, dit-il, « j’ai fini par vraiment m’ennuyer de la forme des lettres ».
Il a décidé qu’il devait détruire la lettre afin de se libérer. Le contour traditionnel du graffiti s’est ainsi transformé en une forme libre et fluide, semblable à un flux de conscience. « J’ai retiré la ligne, comme on tire un fil d’un drap ou d’un vêtement. J’ai supprimé la structure de la lettre et l’ai reconstruite comme je le voulais. Pour moi, la ligne n’est pas plate, c’est un cercle, c’est un tube. » Il a également attribué son expérience de danseur à son style pictural. « En tant que b-boy, je voyais le jeu de jambes comme des points sur une carte. Quand on s’entraîne, on répète des motifs, de la géométrie, on crée des formes avec son corps. » De même, l’acte de peindre accorde l’esprit au corps, et inversement.
Plus récemment, Green s’est de plus en plus — sans toutefois s’en affranchir totalement — libéré de la ligne elle-même. S’il n’a pas abandonné ses personnages humanoïdes immédiatement reconnaissables, il ne laisse plus les lignes rigides définir chaque aspect de l’image ; il permet aux couleurs et à l’espace négatif de guider le regard du spectateur. « J’utilise des pinceaux à longs poils pour appliquer la ligne et créer l’illusion de la profondeur de champ », explique-t-il. « Je vois les lignes dans l’espace, qui se chevauchent, ressortent, passent derrière, révèlent leur translucidité. » Dans nombre de tableaux réalisés ces dernières années, « l’espace négatif s’avance dans le champ de vision, tandis que ce qui prédominait recule. La ligne est moins importante que ce qui se trouve entre les deux. » Les images qui en résultent représentent des figures féroces, à la fois ordinaires par leur humanité et mythiques par leurs formes, leurs proportions et les interactions spatiales de la couleur et de la lumière, venues d’un autre monde.
La nouvelle orientation artistique de Green est encore nourrie par son récent déménagement vers un nouveau foyer, cette fois au Brésil. « Je suis enthousiaste à l’idée de pouvoir créer avec moins d’obstacles, de me lancer dans des projets de sculpture, de soudure, de céramique et d’installations sonores », rapporte-t-il. Ses publications prolifiques sur les réseaux sociaux offrent un aperçu de sa pratique quotidienne, faite de méditation, de création et de collaboration. Mais la peinture reste au cœur de son travail. Selon la manière dont Green la décrit, l’acte de peindre est un état d’être qui relie avec force la réalité physique aux idéaux métaphysiques.
« Il y a une beauté chimique là-dedans ; il y a une beauté dans l’interaction entre les couches et ce qui a été fait auparavant. C’est fascinant de voir les coups de pinceau, des premiers jusqu’aux derniers. C’est un peu comme une danse, la danse du b-boy. Il s’agit de ne pas rester bloqué sur les choses et de continuer. De savoir que tout est toujours mutable, toujours en mouvement et en transformation vers autre chose. Rien ne reste éternellement sous sa forme. L’eau s’évapore en vapeur, l’éther se fond dans l’inconnu. »
Œuvres présentées (de haut en bas) :
OPTIMO, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2015, 70"x 60"
Daath, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2018, 57” X 57”
Narcissus, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2018, 57” X 55”
Sofia Yaldebaoth, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2018, 55” X 51”
Morgellia, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2018, 57” X 57”
Untilted, acrylique et peinture en aérosol sur toile, 2015, 48" x 60"
