Cleon Peterson : « L’utopie d’une personne est l’enfer d’une autre. »

Écrit par Alec Banks

Cleon Peterson dégage une ambiance décontractée quand on lui parle, comme s’il ressentait encore les effets apaisants d’une vacances bien méritée dans un paradis tropical. On pourrait donc s’attendre à ce que son art reflète son tempérament facile à vivre. Il devrait y avoir des natures mortes apaisantes, des bassins d’eau tranquilles, et une palette joyeuse si colorée qu’elle pourrait donner une carie à quiconque aurait envie de la lécher. Pourtant, quand on pose les yeux sur une peinture ou une sculpture de Peterson, on a le sentiment que son tempérament calme n’informe pas nécessairement son œuvre si reconnaissable.

Thématiquement, Peterson s’intéresse à représenter la violence, la peur, l’agression et les dynamiques du pouvoir. Ses œuvres sont peuplées d’hommes et de femmes armés qui peuvent être interprétés comme bourreaux ou victimes, dans des tons sobres de noir, blanc et rouge. Cela lui permet d’illustrer le chaos et la carnage sans perdre le contrôle de ses intentions narratives.

« Je m’intéresse vraiment à la façon dont la peinture fonctionne en surface et à l’interaction entre les formes et l’équilibre », explique Peterson à propos de sa palette de couleurs limitée.

S’inspirant de faits historiques, d’antiquités littéraires et de l’état actuel du monde — qu’il considère comme une vérité ironique où le bonheur vient souvent au prix brutal des autres — l’artiste basé à Los Angeles s’est positionné comme un canal culturel vers les chemins malheureux de la vie, où les agneaux sont bien souvent menés à l’abattoir.

« Personne ne commet de violence juste pour commettre de la violence », dit-il. « Les gens le font généralement pour une raison utopique. J’ai l’impression que je peins la réalité. Peut-être que ce n’est pas une réalité que tout le monde vit chaque jour, mais elle existe, et les gens ne la reconnaissent tout simplement pas. »

Peterson attribue son style visuel et son intérêt pour les thèmes sombres à sa capacité à éliminer toute auto-censure pendant sa pratique en atelier. Sans retenue, il peut faire des critiques mordantes sur la politique, la violence scolaire et les butins de guerre.

« Ce que j’aime dans l’art, c’est la liberté de briser ces barrières et d’aller dans un lieu libre, où l’on ne se contraint pas socialement avec des règles imposées par les autres ou par soi-même », dit-il. « Je pense que suivre cette impulsion a été la meilleure chose que j’aie jamais faite, car cela m’a permis de faire quelque chose de peut-être différent de ce que font les autres. Je pense qu’au début, les gens ont réagi à ça parce que ça n’avait pas cette auto-censure. »

Avec un langage visuel distinct — et l’engagement à explorer la violence et le pouvoir sur un large spectre — le travail de Peterson a notamment été utilisé par The New York Times, pour le spectacle de Broadway Carousel de Rodgers et Hammerstein, et sous la tour Eiffel, où il est devenu le premier artiste à peindre une fresque sous ce monument architectural.

Cette dernière — un effort de 300 heures intitulé « Endless Sleep » — représentait les protagonistes Poliphili et Polia, du roman de 1499 Hypnerotomachia Poliphili (traduit librement par « La lutte amoureuse de Poliphile dans un rêve ») de l’écrivain italien Francesco Colonna. Bien que ce fût un départ par rapport à ses œuvres plus sinistres, cela montrait toujours son engagement à explorer la dualité chez les humains et comment les différences créent une division parmi l’humanité.

« Ça ne pouvait pas être ouvertement violent », admet-il. « Mais je pense que la tour Eiffel est un lieu qui est un énorme symbole international. C’est un endroit où tout le monde se rassemble, toutes les cultures. Un lieu qui est une icône dans le monde. J’ai pensé que c’était un endroit intéressant pour faire cette image. Ce sont des gens qui dansent, puis ils s’embrassent et il y a l’obscurité et la lumière. Et puis ce que traverse l’Europe en termes d’immigration — j’ai pensé que c’était une image appropriée. »

Alors que les cinéastes documentaires et les photojournalistes de guerre sont souvent sollicités pour représenter la sauvagerie mondiale, Peterson estime que c’est un aspect sous-représenté dans les beaux-arts.

« Tout le monde a sa voix. Et c’est ma voix. L’utopie d’une personne est l’enfer d’une autre. »