Cleon Peterson : « L’utopie de l’un est l’enfer de l’autre. »

Écrit par Alec Banks

Cleon Peterson dégage une nonchalance décontractée lorsqu’on lui parle, comme s’il ressentait encore les effets apaisants de vacances bien méritées dans un paradis tropical. On pourrait donc s’attendre à ce que ses œuvres d’art reflètent son tempérament tranquille. On devrait y trouver des natures mortes apaisantes, des étendues d’eau paisibles et une palette si joyeusement colorée, aux teintes de bonbons, qu’elle pourrait donner des caries à quiconque serait tenté d’y goûter. Pourtant, lorsqu’on pose les yeux sur l’une des peintures ou sculptures de Peterson, on comprend que son tempérament égal n’inspire pas nécessairement cet ensemble d’œuvres absolument reconnaissable.

Sur le plan thématique, Peterson s’intéresse à la représentation de la violence, de la peur, de l’agression et des dynamiques de pouvoir. Ses œuvres sont peuplées d’hommes et de femmes armés, pouvant être interprétés comme des agresseurs ou des victimes, dans des tons sourds de noir, de blanc et de rouge. Cela lui permet d’illustrer le chaos et le carnage sans perdre le contrôle de ses intentions narratives.

« Je m’intéresse surtout à la manière dont la peinture fonctionne à la surface, ainsi qu’à l’interaction entre les formes et l’équilibre », explique Peterson à propos de sa palette de couleurs limitée.

S’inspirant de faits historiques, d’antiquités littéraires et de l’état actuel du monde — qui, selon lui, représente une vérité ironique selon laquelle le bonheur advient souvent au prix brutal du malheur des autres — cet artiste établi à Los Angeles s’est positionné comme un vecteur culturel des chemins malheureux de la vie, où les agneaux sont bien plus souvent menés à l’abattoir qu’ils ne devraient l’être.

« Personne ne commet de violences simplement pour commettre des violences », dit-il. « Les gens le font généralement pour une raison prétendument utopique. J’ai l’impression de peindre la réalité. Ce n’est peut-être pas une réalité que tout le monde vit au quotidien, mais elle existe, et les gens refusent simplement de la reconnaître. »

Peterson attribue son style visuel et son intérêt pour les thèmes plus sombres à sa capacité à éliminer toute autocensure pendant son travail en atelier. Libéré de toute retenue, il peut formuler des critiques acerbes de la politique, de la violence à l’école et des dépouilles de la guerre.

« Ce que j’aime dans l’art, c’est la liberté de faire tomber ces barrières et d’aller dans un endroit libre, où l’on ne se contraint pas socialement avec des règles que les gens de l’extérieur vous imposent ou que vous vous imposez vous-même », dit-il. « Je pense que suivre cette impulsion a été la meilleure décision de ma vie, car cela m’a permis de faire quelque chose de différent de ce que faisaient les autres. Je pense qu’au départ, les gens ont réagi à ces œuvres parce qu’elles n’étaient pas soumises à cette autocensure. »

Grâce à un langage visuel distinct — et à son engagement à explorer la violence et le pouvoir sur un large spectre —, le travail de Peterson a notamment été utilisé par The New York Times, pour la comédie musicale de Broadway Carousel de Rodgers et Hammerstein, ainsi que sous la tour Eiffel, où il est devenu le premier artiste à peindre une fresque sous ce monument architectural.

Cette dernière œuvre — un travail de 300 heures intitulé « Endless Sleep » — représentait les protagonistes Poliphili et Polia, issus du roman Hypnerotomachia Poliphili de 1499, de l’écrivain italien Francesco Colonna, dont le titre peut être traduit librement par « Le combat de Poliphile pour l’amour dans un rêve ». Bien qu’elle se soit écartée de ses œuvres plus sinistres, elle témoignait toujours de son engagement à explorer la dualité humaine et la manière dont les différences créent une division entre les êtres humains.

« Elle ne pouvait pas être ouvertement violente », admet-il. « Mais je pense que la tour Eiffel est un lieu qui constitue un immense symbole international. C’est un endroit où toutes les cultures se retrouvent, un lieu qui est une icône dans le monde. Je trouvais intéressant d’y réaliser cette image. On y voit des gens danser, puis s’embrasser, avec l’obscurité et la lumière. Et au vu de ce que l’Europe traverse en matière d’immigration, je pensais que c’était une image appropriée. »

Alors que l’on fait souvent appel aux documentaristes et aux photojournalistes de guerre pour représenter la sauvagerie mondiale, Peterson estime que cet aspect est sous-représenté dans les beaux-arts.

« Chacun a sa voix. Et c’est la mienne. L’utopie de l’un est l’enfer de l’autre. »